152 Graphisme (s) - (s) Typographie (s)

Une exploration de la possibilité pour les designers graphiques d'accueillir le conflit à travers l'étude de trois projets réalisés pour des expositions.

À partir d'une étude historiographique des nouvelles formes typographiques, l'auteure s'intéresse aux enjeux politiques qui résident dans l'écriture inclusive. Elle souligne que la typographie est un outil émancipateur qui permet de matérialiser les existences queer, non-binaire, agenre ou encore genderfluid.

More is more s'intéresse à ces designers qui ont décidé de ne pas céder à l'impératif du minimalisme soutenu par la plupart des designers ces dernières années. Aux contraires, ils cèdent au chaos de la vie ordinaire pour exprimer leur personnalité avec toujours plus de couleurs et de formes. Cet ouvrage célèbre le maximalisme en présentant les meilleurs exemples dans le design contemporain.

Design is broken. Young and not-so-young designers are becoming increasingly aware of this. Many feel impotent: they were told they had the tools to make the world a better place, but instead the world takes its toll on them. Beyond a haze of hype and bold claims lies a barren land of self-doubt and impostor syndrome. Although these feels might be the Millennial norm, design culture reinforces them. In conferences we learn that "with great power comes great responsibility" but, when it comes to real-life clients, all they ask is to "make the logo bigger."

This book probes the disillusionment that permeates design. It tackles the deskilling effects provoked by digital semi-automation, the instances of ornamental politics fashioned to please the museum-educational complex, the nebulous promises of design schools. While reviving historical expressions of disenchantment, Silvio Lorusso examines present-day memes and social media rants. To depict this disheartening crisis, he crafts a new critical vocabulary for readers to build upon. What this exposé reveals is both worrying and refreshing: rather than producing a meaningful order, design might be just about inhabiting chaos.

What was once a promising field rooted in problem-solving has become a problem in itself. The skill set of designers appears shaky and insubstantial – their expertise is received with indifference, their know-how is trivialised by online services, their work is compromised by a series of unruly external factors. If you see yourself as a designer without qualities; if you feel cheated, disappointed or betrayed by design, this book is for you.

"Critical designers" produced by an increasing number of design schools are prompted to address social, political and environmental issues through their practices. Yet, who can afford to continue such effort after graduation ? In a dynamic style holding multiple voices, Who Can Afford To Be Critical ? discusses the limits that affordability, class and labour impose upon the educational promise of holding a "critical" practice. Why do we tend to ignore the material and socioeconomic constraints that bind us as designers, claiming instead that we can be powerful agents of change ? In fact, where does our agency lie ? Instead of focusing on the dream of ethical work under capitalism, could we, instead, focus first on designers own working conditions, targeting them as one immediate site for collective action ? And can we engage politically with the world not necessarily as designers, but as workers, as activists, as citizens ?

Une nouvelle édition qui revient sur la riche histoire du graphisme en France depuis les années 1500, augmentée d'un chapitre sur la période 2005-2020. L'auteur propose une réflexion sur la place du graphisme dans les systèmes de communication et en tant que pratique artistique et sociale.

A partir de l'expression graphique des communautés LGBTQI en Belgique depuis les années 1950, l'exposition retrace l'histoire du mouvement militant pour les droits des homosexuels. Les messages ainsi que leurs formes graphiques et typographiques forment un outil de résistance, de lutte et de fierté.

A study of graphic art and design aimed at social and political issues. The global use of graphics for propaganda and protest is surveyed in this vibrant album. The 300 color photographs reproducing posters, billboards, ads, T-shirts and graffiti occasionally portray the graphic voice of the establishment (e.g., U.S. presidential campaign paraphernalia) but mostly feature dissent and agitation on behalf of human rights, environmentalism, anti-war and anti-nuclear protest, feminism, sexual politics, gay rights, AIDS awareness, the struggle for racial equality, the end to apartheid and poverty and drug abuse and homelessness. McQuiston, an American graphic designer based in Britain, sets works by Jenny Holzer, Keith Haring, Tomi Ungerer and Roy Lichtenstein alongside graphics by less well-known artists from Czechoslovakia to Malaysia. The book is an enlightening, kinetic social history of political graphics and a rich resource for artists, designers and activists.

Réflexions croisées sur la conservation et le devenir d’œuvres graphiques au sein d'une collection artistique. Les contributions s'appuient principalement sur le travail de Dieter Roth, dont les créations sont conservées au Frac Bretagne.

The logo bible, this book provides graphic designers with an indispensable reference source for contemporary logo design. More than 1300 logos are grouped according to their focal form, symbol, and graphic associations into 75 categories such as crosses, stars, crowns, animals, people, handwritten, illustrative type, etc. To emphasize the visual form of the logos, theyare shown predominantly in black and white. By sorting a vast, international array of current logotypesranging from those of small, design-led businesses to global brandsthe book offers design consultancies a ready resource to draw on in the research phase of identity projects. Logos are also indexed alphabetically by name of company/designer and by industrial sector, making it easy to piece together a picture of the state of the identity art in any client's marketplace.

L'œuvre de Karel Martens occupe une place intrigante dans le paysage actuel de l'art et du design européen. Son travail est à la fois personnel et expérimental. En même temps, il est publiquement responsable. Au cours des décennies de sa pratique, Martens a été prolifique en tant que concepteur de livres. Il a également contribué à un large éventail de commandes de design : timbres, pièces de monnaie, enseignes sur les bâtiments. Sa pratique en tant qu'artiste est intimement liée à ce travail de design. Cela a commencé avec des constructions géométriques et cinétiques, et s'est développé en travaillant avec le matériau même du papier. Depuis longtemps, il réalise des monographies. Ce livre cherche de nouvelles façons de montrer et de discuter le travail d'un designer et d'un artiste, et est proposé dans le même esprit d'expérimentation et de dialogue qui caractérise l'œuvre qu'il présente. Sa première édition a été publiée en 1996 à l'occasion de la remise à Karel Martens du prix Dr A.H. Heineken pour l'art. En réponse à une demande continue, le livre a été augmenté jusqu'en 2019 et apparaît maintenant dans cette quatrième édition présentant près de soixante ans de pratique.

Pierre Di Sciullo mène parallèlement des recherches graphiques et typographiques et édite depuis 1983 la publication "Qui ? Résiste". Il expérimente des procédés d'écriture et des techniques variées, et dessine des polices de caractère. Une partie de ses recherches expérimentales sont présentés sur le CD-ROM.

A glorious design herbarium of marijuana ads from the great underground magazines of the 1960s and '70s The youth uprising now simply known as the Sixties was fed by one of the greatest booms in publishing history. The Underground Press Syndicate (UPS) began as a loose confederation of five papers in 1966, and within a few years swelled to over 500 across the world, including Kaleidoscope, International Times and the East Village Other. They "spread like weed," said the UPS director, weed dealer and eventual founder of High Times Tom Forcade. The metaphor was apt: the UPS spurred the legalization movement, and weed became its totem--and a helpful means for government agencies to crack down on the UPS, since weed permeated UPS pages, with gaps in text crammed with weed-inspired "spot illustrations." Heads Together collects these drawings, shining a light on lesser-known names in the stoner-art canon, and many who weren't names at all since no signature was attached. It also compiles guides for growing weed from the period that were treated like contraband by the CIA. Activist-oriented, psychedelic rolling papers are showcased too. As pot now fast-tracks toward legalization in the US and beyond, its once-incendiary status is brought into odd relief. Pot's contemporary corporate profiteers do not reflect those who fought for legalization, or the Black and Latino populations strategically criminalized for pot well before hippies were targeted and long after. The art in this book speaks to a time when pot was smoked with optimism, as something capable of activating transformation in the face of corrupt and powerful forces.

Il est probable que le Mille bornes vous évoque instantanément quelques souvenirs d’enfance, ses compositions épurées aux couleurs franches ayant la capacité d’imprimer fortement la mémoire. Mais savez-vous qui se cache derrière l’un des plus gros succès français en matière de jeu de société ? Aussi discret que talentueux, Joseph Le Callennec (1905-1988) est pourtant à l’origine de créations graphiques marquantes. S’il est connu pour la petite vingtaine de jeux qu’il a dessinés, dont notamment deux versions du Mille bornes, il est aussi à l’origine de différents logos, illustrations et couvertures de livres. Malgré la disparition des archives de Joseph Le Callennec suite à l’inondation de sa cave où elles étaient conservées, Tony Durand s’est lancé dans un travail d’enquêteur et biographe qui lui a permis, après plusieurs années de recherche, de réunir une collection d’objets plus étendue qu’espéré, donnant un aperçu de la carrière de ce mystérieux ouvrier typographe devenu graphiste, créateur du design de l’un des jeux de société les plus célèbres du xxe siècle.

Porté par la vague punk, le collectif graphique Bazooka se forme en 1974. Ils éditent des fanzines : Loukhoum breton, Le bulletin périodique, Un regard moderne. Leur collaboration la plus marquante est sans doute celle avec Libération : pour les six membres, issus des ateliers graphiques des Beaux-Arts, il s'agissait de déstructurer une mise en pages ennuyeuse à leurs yeux.

Strikethrough explores protest materials through the urgency of their typographic form. With a rich selection of broadsheets, signs, banners, posters, and ephemera spanning the 19th century to today, this exhibition catalog celebrates the use of letters to amplify and empower.

Cette publication offre pour la première fois une immersion exhaustive dans la réalisation de livres illustrés en Amérique Latine entre les années 1920 et 1940, période caractérisée par la modernisation rapide de la région. Les livres reproduits ici témoignent de cette ère de transformation, exprimant et incarnant des récits nationaux et continentaux émergents dans le pays. Diagramming Modernity reproduit plus de 1000 premières éditions illustrées, analysant l'abondance de récits culturels qu'elles contiennent : en plus de présenter des œuvres relativement inconnues de nombreux artistes consacrés, la publication propose également un vaste répertoire d'artistes d'avant-garde. Des chapitres sont consacrés à des pays et à des thèmes spécifiques tels que "Mot-image", "Visualités verbales", "Précolombismes et ancestralismes"et "Graphiques sociaux et politiques". Les écrivains et penseurs Rodrigo Gutiérrez Viñuales, Riccardo Boglione, Juan Manuel Bonet, Marina Garone Gravier et Dafne Cruz Porchini explorent consciencieusement ces thèmes à travers leurs recherches approfondies.

Un essai sur l'histoire de la typographie qui décrit l'expansion progressive du rôle de la composition graphique. L'auteur aborde l'évolution et l'adaptation des règles typographiques appliquées à ces nouveaux supports que sont les affiches ou les sites Internet.

Une sélection de textes et d'entretiens anglais et américains traitant de la philosophie accompagnant l'émergence du design graphique entre 1985 et 1995. Ces communautés anglo-saxonnes prennent la pensée postculturaliste française comme base de leur réflexion radicale sur l'identité et sur les places du graphisme et de la typographie. Les répercussions de ce mouvement sont étudiées.

Un essai dans lequel l'auteure assimile la compréhension d'une image à celle d'une langue, impliquant ainsi la nécessité de l'apprentissage d'un alphabet, d'une syntaxe et d'un lexique visuels, négligés dans le système scolaire mais essentiels pour saisir les informations transmises. Publié en 1973 aux Etats-Unis, ce texte est une référence pour l'étude de la communication visuelle.