400 Monographies (s) d'artistes (s)

A sumptuously produced introduction to the ideas and methods of one of the most influential artists and theorists of the twentieth century. First issued in 1972 as a limited edition set of prints, "Formulation: Articulation" is being published in book form for the first time. Josef Albers drew on over forty years' work in a variety of media--woodcuts, sandblasted glass pictures, and oil paintings--for these poetic explorations of color and form. Created just four years before his death in 1976, the images can be seen as the summation of Albers's creative life. Albers was a student and a teacher at the Bauhaus from 1920 to 1933, escaped to America and taught at Black Mountain College until 1949, and was chairman of the Department of Design at Yale University until 1958. As both artist and teacher he influenced innumerable artists, including Mark Rothko, Barnett Newman, and Robert Rauschenberg. Albers's seminal text, "Interaction of Color" (1963), which was translated into eight languages, affected art teaching all over the world. This book embodies all the elements of Albers's lifetime preoccupation with abstraction, color, and perception. He draws the viewer into a dynamic relationship with his work, showing how color can have deceptive and unpredictable effects, depending on how it interacts with other colors. The order of the 127 illustrations was carefully chosen by Albers so that they can be examined and appreciated for their visual interaction or as beautiful works of art in their own right. They appear alone on the page, in pairs, or sometimes four together. The accompanying text includes key passages from Albers's own writings, printed on special foldout sections, and the introduction by noted critic T. G. Rosenthal includes comparative and contextual illustrations. 150 illustrations, 127 in color.

Présentation du travail de l'artiste américain installé entre Paris et Los Angeles, à travers une série d'expositions, d'installations et de performances réalisées depuis 2010. Il pratique la céramique, la peinture de grand format et l'installation, employant diverses techniques et s'inspirant de plusieurs courants artistiques, du rococo à l'expressionnisme abstrait en passant par l'orientalisme.

Le travail de M. Bascoulard qui a vécu à Bourges de 1939 à sa mort en 1978, est constitué de dessins figuratifs, d’œuvres abstraites, de cartes géographiques et de photographies qui le mettent en scène habillé en femme. P. Martinat retrace sa vie et son œuvre. Cette édition est complétée de 19 lettres inédites.

Catalogue présentant une séquence de différents corpus d’œuvres et d'environnements immersifs de l'artiste californien, dont le travail met en évidence, avec un humour grinçant, les conditionnements culturels, paternalistes ou genrés dans une perspective inspirée des pratiques féministes militantes. Sont notamment montrées la série des Kandor Cities et l'installation Day is done.

Du dessin et de la peinture à la gravure et à la sculpture, la pratique de Nicole Eisenman associe l'expérimentation formelle à de nombreuses références à l'histoire de l'art. Ses commentaires critiques et souvent humoristiques sur la nature en constante évolution de la vie publique remettent constamment en question les structures du pouvoir et les conceptions normatives du genre. Nicole Eisenman : What Happened présente le parcours de l'artiste avec plus de 200 illustrations en couleur, étudiées dans dix textes récemment rédigés. Les essais des conservateurs Mark Godfrey et Monika Bayer-Wermuth analysent l'évolution de l'œuvre d'Eisenman depuis les années 1990, tandis que Chloe Wyma se consacre aux récents engagements d'Eisenman en rapport avec la politique nationale et institutionnelle. Des textes d'artistes, de conservateurs et d'écrivains, dont beaucoup ont collaboré avec Eisenman, accompagnent le livre de réflexions personnelles sur d'importants projets passés ou sur les communautés lesbiennes et queer au sein desquelles Eisenman a joué un rôle central. Parmi les contributeurs figurent Jadine Collingwood, Britta Peters, Ann Philbin, Helena Reckitt, Joe Scotland, A.L. Steiner et Nicola Tyson. Abordant des œuvres réalisées sur plus de trente ans, cette publication retrace l'engagement d'Eisenman dans les changements technologiques, politiques et sociaux qui ont façonné nos vies individuelles au cours de cette période, jusqu'à ses récentes recherches sur la protestation et l'activisme.

La monographie consacrée à l’artiste américaine née à Cuba Ana Mendieta (1948-1985) au MO.CO. Panacée rassemble une centaine d’œuvres sur plus de quinze années de production (1968-1985). L’exposition explore en particulier comment l’artiste n’a eu de cesse de se réinventer, en développant un langage sculptural inédit, souvent éphémère, parfois performatif, nourri de ses recherches sur les mythes originels et l’art rupestre. L’exposition s’attache plus particulièrement à révéler son rapport au visible et à l’invisible, au permanent et à l’impermanent, sa manière de rendre dicible l’indicible par l’empreinte du corps et son inscription dans la nature. L’exposition ne se veut pas rétrospective, mais au contraire célèbre la pertinence d’une œuvre contemporaine, politique et vibrante.

Après avoir réalisé des "charges-objets" et des projets de land art et d'installations éphémères, cet artiste a développé une œuvre picturale faite de périodes successives et apparemment paradoxales où les perturbations des notions d'espace et d'identité sont constamment en jeu.

Philippe Favier est né en 1957, à Saint-Etienne. Son œuvre s'inscrit dans la tradition de la miniature par sa précision d'écriture, sa richesse de détails et son pittoresque.

Catalogue de l'exposition présentée au Art Institute of Chicago, 5 décembre 1987-31 janvier 1988 puis dans 3 autres musées des Etats-Unis du 6 mars 1988 au 3 janvier 1989.

Présentation des oeuvres de cet artiste protéiforme, il utilise l’industrie du divertissement comme matière première et les médias (télévision, internet, presse…) comme moyens de production et de diffusion de son travail. Dès 1993, il déplace les lieux de production et d’exposition de l’art pour se confronter au réel. Se définissant comme multimédia - ses œuvres prennent différentes formes : de l’intervention télévisée à l’installation jusqu’aux récents développements sur Instagram - il développe de nombreuses stratégies d’infiltrations à l’intersection entre art conceptuel, culture populaire, critique institutionnelle, réflexions économiques et problématiques sociétales. Matthieu Laurette utilise des mécanismes et contextes existants pour créer et y insérer ses propres œuvres. Il explore la complexité de la notion de valeur : des choses, de l’artiste, de l’art et de l’argent ; allant jusqu’à faire de la transaction financière l’objet et la matière de ses œuvres. Elles mettent en question la place de l’art et le rôle de l’artiste à l’heure du spectacle généralisé.

"Ecrivain - peintre - prostituée" L'épitaphe de Grisélidis Réal (1929-2005) au cimetière des Rois, à Genève, souligne le parcours d'une femme complexe, marginale et controversée. Célèbre pour ses trente ans de lutte en faveur des droits des travailleuses et travailleurs du sexe, elle est également une auteure renommée. Le catalogue raisonné Grisélidis Réal, peintre rend hommage à ses œuvres plastiques méconnues. Formée à l'Ecole des arts et métiers de Zurich, comme décoratrice, Grisélidis Réal a souhaité vivre de sa production artistique.

Universal Tongue documente image par image une installation sonore et vidéo d'Anouk Kruithof consacrée à la danse, dans laquelle se succèdent, coexistent, et s'alternent sur 8 écrans, en 32 heures de vidéo, 1000 styles de danse différents. A partir de 8.800 vidéos collectées dans le monde entier depuis les plateformes en ligne Youtube et Instagram, grâce à une équipe de 50 chercheurs, Anouk Kruithof a réalisé 8 films de 4 heures, conçus pour être montrés simultanément. De la Macarena au twerk, du simple saut au moonwalk, l'installation reflète l'universalité de la danse comme langage, comme moyen d'expression d'une diversité d'identités culturelles dans une société mondialement connectée.

The artist Kubra Khademi (b. 1989) lives in Paris and focuses in her work on her life as a woman and a person with direct experience as a refugee. This makes it both political and highly topical. Multi-faceted themes pervade her art, including her function as mouthpiece and as an element in the fight for the fundamental rights of women, as well as artistic work in exile and in a Muslim society.

In paintings and more recently with the use of photographic techniques and embroidery, Khademi presents tranquil nude female figures that - depending on the angle - can nonetheless be interpreted as provocative. They are juxtaposed with impressive performances that draw on the artist's own physical experiences as a subject. Khademi focuses her attention on the male-dominated society in countries like her native Afghanistan and the socio-political situation there, linking together motifs from mythology, art history and politics. Kubra Khademi has received many awards for her work, and this overview publication presents her oeuvre in all its complexity.

Le Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA lui consacre une exposition d'envergure afin de déployer toutes les facettes d'une œuvre dense et complexe, rassemblant aussi bien des peintures que des photos. Cet enjeu monographique intègre les sources d'inspiration et mouvements auxquels participe l'artiste : le surréalisme, le fétichisme ou encore le tantrisme, comme ceux qu'il devance - le queer ; des archives et témoignages inédits ; des affiliations contemporaines (Cindy Sherman, Luciano Castelli, Bruno Pelassy, Betony Vernon...) et d'autres plus historiques (Clovis Trouille, Claude Cahun ou Hans Bellmer). Cette exposition programmée du 31 mars au 17 septembre 2023 coïncide avec l'anniversaire des 40 ans des Frac et la création du Frac Aquitaine en 1982, qui inaugure sa collection en acquérant pour ses premiers numéros d'inventaire une vingtaine d'oeuvres de Pierre Molinier. Pour accompagner cette exposition d'envergure, ce livre rassemble des contributions de Marie Canet, critique d'art et commissaire, qui présente l'exposition sous la forme d'un avant propos et de Claire Jacquet, critique d'art, commissaire d'exposition et directrice du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA depuis 2007, qui prend la forme d'un essai sur la postérité de l'artiste dans le champ de l'art contemporain. L'autrice, journaliste et co-commissaire de l'exposition Emmanuelle Debur revient sur l'histoire fascinante de l'artiste. La philosophe, autrice et critique d'art Géraldine Gourbe nous propose une relecture de l’œuvre de Molinier en la rapprochant des figures de Fantômas et d'Irma Vep, avant de la relier à certaines œuvres de la collection du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA à travers la question du portrait, si cardinale dans les œuvres du maître de l'exhibitionnisme, et de son évolution au fil du temps. Le livre comporte également plusieurs cahiers d'images et un cahier reprenant l'intégralité des titres de la bibliothèque de Molinier.

Monographie trilingue de référence dédiée aux Parangolés de l'artiste brésilien Hélio Oiticica (1937-1980), capes-sculptures produites entre 1964 et 1979 unissant l'art à la vie, l'œuvre et le public, l'improvisation à l'orchestration, la révolte politique à la poésie. La recherche menée par Delmari Romero Keith et Marc Pottier plonge dans cette « œuvre anthropophage », en resitue le contexte historique et artistique, au cœur des enjeux des mouvements Dada, Fluxus, Arte Povera et du Nouveau Réalisme, qu'elle bousculent pour installer de nouvelles formes de danse, happenings et performances.

William Kentridge's (b.1955) black-and-white, animated films offer an emblematic and unprecedented insight into the South Africa of today, from the hearings of the Truth and Reconciliation Commission to traces of apartheid's violence in the landscape around Johannesburg. This is the first book to document the work of this extraordinary artist, who exploded on the international art scene in 1997 after working for some 20 years little known outside of his native South Africa. The images in Kentridge's films depict political realities, expressed in terms of individual human suffering. They are patiently made up of dozens of drawings, often made from the erasure as well as the addition of lines and forms. A week's drawing can give rise to just 40 seconds of animation. Socio-political traumas such as apartheid and the Holocaust are enigmatically narrated through his melancholy, tormented images. Like some of the Expressionists who also relied on strong draughtsmanship, such as Max Backman and Kathe Kollwitz, Kentridge presents politically engaged art via depictions of the personal. This invaluable book is the first extensive monograph available on his work. American curator and critic Dan Cameron surveys Kentridge's work withing the context of politicized art practice while analysing the formal innovations of his animation techniques. European art critic and curator Carolyn Christov-Bakargiev discusses with the artist the political and philosophical dimensions of his relationship to drawing. Booker Prize-winning South African novelist J. M. Coetzee focusses on the artist's animated film History of the Main Complaint (1996) as a pivotal point in the development of Kentridge's best-known characters Soho Eckstein and Felix Teitlebaum. The Artist's Choice selection is an extract from Confessions of Zeno (1923) by Italo Svevo, which reflects the autobiographical content of the artist's work. Kentridge's writings span meditations on the process of drawing, the political situation in South Africa and traditions of representation upon which he has drawn, ranging from Goya and Hogarth to Beckmann and Eisenstein.

Luc Tuymans is a Belgian artists who emerged in the late 1980s. His work fuses the traditions of Old Master Flemish and Spanish genre painting with a late 20th century sensibility. Ulrich Loock uses Tuymans' installation of exhibitions as a way of mapping key themes. Juan Vicente Aliaga reveals sources and motivations through his dialogue with the artist, whilst curator and critic Nancy Spector explores the narrative possibilities of one painting, Pillows. Tuymans selects Chevengur, a primitivist, magical tale by Russian author Andrei Platonov, and gives a fascinating account of his work in the essay 'Disenchantment'.

La présentation de 325 œuvres dont 277 en couleurs (peintures, pastels, dessins, gravures ou photographies) sélectionnées et commentées par l'artiste. Après avoir débuté par l'art abstrait, le peintre découvre le pop art, sa technique en à-plats et ses couleurs vives.