405 Théorie (s) de (s) l'Art (s)

Pour punir un cardinal qui n'avait pas apprécié son Jugement dernier, Michel-Ange fit son portrait en Lucifer. Cette anecdote est signalée par l'historien de l'art comme révélatrice d'une évolution culturelle majeure, à savoir la disparition de la figure du diable dans la peinture. Il montre la singularité de la culture humaniste, qui réintègre les catégories diaboliques à l'intérieur de l'humain.

L'auteure analyse les éventuels risques et avantages liés au rapprochement entre l'art et les sciences humaines. Elle montre que de plus en plus d'artistes apportent leur contribution à la recherche historique, sociologique ou anthropologique, avant d'étudier les origines de cet amalgame.

Les contributeurs analysent les relations entre la création et la mémoire. Ils mettent en avant le poids du passé dans le monde de l'art et évoquent les multiples facettes et les contradictions qui en résultent.

Étude sur l'évolution du rôle des artistes dans l'organisation d'exposition depuis le XIXe siècle, les pratiques des commissaires indépendants et leur impact sur le monde de l'art, les rapports des artistes commissaires avec les institutions muséales, etc.

Un état des lieux des études sur la culture visuelle présentant ses concepts fondamentaux et ses questions principales, de ses origines dans l'histoire de l'art aux perspectives de recherche ouvertes par les nouvelles technologies, la réalité virtuelle et l'intelligence artificielle. Des exemples provenant de contextes culturels et de périodes variés illustrent la dimension sociale des images.

Un essai sur la période italienne de l'artiste américain, jamais étudiée auparavant bien qu'elle ait profondément influencé l'imaginaire et l'œuvre de Paul Thek. Paul Thek (1933-1988), l'un des artistes américains les plus singuliers de la seconde moitié du XXe siècle, a toujours refusé d'appartenir aux courants artistiques dominants. De 1962 à 1976, il voyage en Italie, multipliant les longs séjours. À Rome, il découvre la sculpture antique, les réalisations de la Renaissance, les églises baroques, mais surtout l'effervescence artistique de la capitale. En Sicile, avec son ami le photographe Peter Hujar, il regarde la mort à travers les reliquaires, les processions religieuses ou encore les extraordinaires catacombes des Capucins. Sur l'île de Ponza, il expérimente une vie méditerranéenne extatique, en osmose avec la nature et notamment la mer. Autant d'attitudes qui sont à l'origine de son œuvre, des célèbres Technological Reliquaries aux expositions installations novatrices jusqu'au retour à la peinture et au dessin.

Une conversation au long cours avec le philosophe Sylvère Lotringer, fondateur de Semiotext(e), homme de l'ombre ayant œuvré entre l'Europe et les États-Unis à défaire les académismes, instaurer des intelligences collectives et déplacer les lignes entre savoirs et expériences en instaurant les « Cultural Studies » qui ont révolutionné l'articulation des sciences humaines.

Une exploration des rapports qu'entretiennent les hommes avec la technique et les nouvelles technologies. Cet ouvrage est paru pour la première fois en 1995.

Essai consacré aux questions de la technique, du langage et de l'image s'appuyant sur l'étude des grottes préhistoriques. L'auteur dresse un parallèle entre le smartphone et la phase technologique de la pierre taillée.

Les lieux du sensible nous convient à un voyage au plus près des perceptions qui adviennent en nous au contact des milieux les plus divers, de la ville à la publicité, de la photographie à la danse contemporaines. C'est ce va-et-vient permanent entre le dehors et le dedans, les expériences affectives et les tâtonnements de l'imaginaire, qu'explore ce livre nourri des créations artistiques les plus actuelles.

L'auteure propose une analyse historique et conceptuelle de la notion d'expérience esthétique en la mettant à l'épreuve de l'art contemporain.

Cruiser l'utopie décrit un mouvement, une avancée en forme de dérive entre théorie, approche philosophique, critique d'art et récit personnel. Les œuvres citées, racontées, se mêlent au récit familial ou individuel et aux considérations plus universitaires. Cette pratique de la théorie et de l'esthétique queer s'inscrit dans une interprétation nouvelle de l'espoir tel que perçu par le philosophe Ernst Bloch, articulée à la pensée radicale noire et à la recherche poétique d'auteureices comme Fred Moten et Eileen Myles.
Muñoz se penche sur la période des révoltes de Stonewall (1969) et analyse par exemple les œuvres de Frank O'Hara, Andy Warhol, Kevin Aviance, Samuel R. Delany, Fred Herko, LeRoi Jones/Amiri Baraka, Ray Johnson et Jill Johnston. À la théorie queer comme étude correspond une manière de chercher et d'écrire nouvelle, une forme d'hybridité entre la philosophie et les études culturelles. La critique est, comme par anticipation, contenue dans la pratique artistique et le quotidien contre-normatifs dont les récits, à la fois subjectifs et historiques, laissent deviner un advenir queer, lieu de transformations et de libération. Le texte, traduit par Alice Wambergue, est accompagné ici d'une préface d'Élisabeth Lebovici et d'un poème de Fred Moten.

Qu'ils aient suivi une formation universitaire dans la discipline, construit leur conception théorique de l'art en dialogue avec des économistes ou élaboré un système à part entière, nombreux sont les artistes qui, du XIXe au XXIe siècle, ont fait de l'art un laboratoire pour repenser l'économie. Valeur, travail, monnaie et capitalisme sont autant de thèmes revisités dans cette anthologie.

Comment une image peut-elle parler d'autres images ? Des formes métavisuelles existent-elles dans l'art ? Quelles modalités et stratégies pourraient être adoptées par un registre visuel second qui se sert pourtant du même moyen d'expression des œuvres auxquelles il se réfère ? Quels sont les modes de ce renvoi aux œuvres ? Peut-on parler de la mise en place de systèmes de traduction qui marqueraient le passage de l'œuvre à sa description ? Peut-on esquisser un cadre typologique des reprises stylistiques, des références iconographiques, des transpositions visuelles ? En essayant de trouver des réponses à ces questions, j'ai repéré quelques phénomènes métavisuels en histoire de l'art : le Libro de'disegni de Giorgio Vasari, les pratiques d'attribution des connaisseurs d'art Giovan Battista Cavalcaselle et Giovanni Morelli, Mnemosyne d'Aby Warburg. Sans prendre parti pour une méthode, mais en faisant plutôt travailler différentes approches selon les exigences du cas à l'étude, je me suis servie de la sémiotique comme d'un "outil" qui se définit par "une certaine valeur d'emploi" (Hubert Damisch). Ainsi, si les questions soulevées sont envisagées d'un point de vue fonctionnellement sémiotique, les résultats auxquels on cherche à parvenir doivent rendre compte des phénomènes qui se manifestent en histoire de l'art. Une réflexion métavisuelle peut atteindre n'importe quelle étape du parcours interprétatif, que ce soit la présentation et les modes du regard porté sur les œuvres, ou bien le déploiement d'un savoir plus articulé qui peut conduire autant à la formulation d'interprétations qu'à la mise en question de la méthode adoptée.

A partir du travail de onze artistes qui oeuvrent à des stratégies de dénormalisation par les arts visuels, comme Zoe Leonard, Shinique Smith, Jack Smith ou Wu Tsang, l'auteure propose de prolonger leur réflexion par un travail d'écriture, en associant notamment la théorie queer, les études sur le handicap, la théorie postcoloniale, ainsi qu'une méthode nommée drag. ©Electre 2018

De multiples caractéristiques réunissent les écoles d'art visitées dans cet ouvrage. Elles sont, le plus souvent, créées à l'initiative d'un artiste agissant seul ou avec quelques acolytes qui partagent une même vision de l'art : dans cette galaxie se côtoient Courbet et Whistler, Léger, Morris, Chagall, Malévitch, Gropius, Cage ou Isou. Elles peuvent aussi naître d'un groupe, lorsque de nouvelles frontières artistiques ou politiques nécessitent des cadres réinventés (ainsi des impressionnistes, des Nabis, des abstraits ou des vhutémas). Ces éléments, isolés ou combinés, transforment durablement l'ensemble des méthodes et des objectifs de la transmission du savoir dans le champ de la création, ouvrent à des formes nouvelles d'enseignement, et parfois causent des ruptures profondes, aussi bien dans l'enseignement que dans l'art et l'esthétique en général. Les différentes études sur l'enseignement artistique supérieur abordent rarement les relations entre les modèles officiels qui le constituent et les alternatives apparues dans l'histoire pour s'en démarquer ou s'y opposer.

"Go to College!" clame le magazine Life en 1940. Alors que l'Europe sombre dans le chaos, les États-Unis s'évertuent à assurer la production internationale des savoirs et à promouvoir un idéal alternatif de démocratie éclairée. Au même titre que toute la population, les artistes sont encouragés à converger vers les universités pour participer à la fondation d'un nouveau rêve américain, porté par la recherche. Revenant sur ce projet politique méconnu, L'Artiste-chercheur retrace l'émergence d'une figure de l'artiste dont l'activité bascule soudainement dans le champ universitaire. Pour comprendre cette mutation, Sandra Delacourt suit la trace de Donald Judd, artiste minimaliste, qui dans la deuxième partie du XXe siècle fut désigné ambassadeur d'un "art éduqué". À travers lui, l'auteure nous invite à suivre l'évolution, non linéaire, d'un nouvel imaginaire pour l'art et pour la recherche, et expose la manière dont différentes générations d'artistes s'en sont emparées ou l'ont rejeté. Alors que depuis quelques années la recherche créative fait l'objet d'un nouvel engouement, cet ouvrage propose d'explorer les désirs antagonistes qui ont conduit l'art et le savoir à pointer un horizon commun.

Plutôt que de s'interroger sur le manque de femmes parmi les grands artistes, l'auteure remet en question la notion de grandeur et critique le point de vue masculin blanc qui imprègne la pensée de l'art à travers l'histoire. Sa réflexion permet une nouvelle forme d'appréciation pour l'art du XXIe siècle tout en initiant un point de vue féministe de l'histoire de l'art. ©Electre 2021