405 Théorie (s) de (s) l'Art (s)

Loin de relire l'histoire de l'art en lui appliquant de façon anachronique le terme "queer", utilisé positivement dans les milieux militants depuis la fin des années 1980, Pour une esthétique de l'émancipation cherche à montrer comment l'écriture de l'Histoire de l'art a minoré l'importance des engagements politiques et affectifs des artistes et rendu inopérante la portée sociale de leurs oeuvres. En imaginant des amitiés inédites entre des artistes du passé, Isabelle Alfonsi fait émerger une lignée féministe et queer pour l'art contemporain. Des pratiques artistiques du XXe siècle sont ainsi replacées dans le contexte du militantisme de défense des droits des homosexuel.le.s et de la formation d'une critique radicale féministe et anticapitaliste. Claude Cahun et Michel Journiac croisent l'histoire du minimalisme états-unien, vu à travers Lynda Benglis, Lucy Lippard ou Yvonne Rainer. Les guerres de représentation menées pendant la crise du sida sont lues au prisme des oeuvres de Felix Gonzalez-Torres, du concept de désidentification de José E. Muñoz et de l'activisme culturel du groupe Boy/Girl with Arms Akimbo, dans le San Francisco des années 1980.

Dans Manières de faire des mondes, l'auteur s'interroge sur la croyance commune qui voudrait que les ressources de l'artiste soient plus variées et plus impressionnantes que celles du scientifique. À l'artiste, les modes de référence, littérale et non littérale, linguistique et non linguistique, dénotationnelle et non dénotationnelle, dans la diversité des médias. Au scientifique, une approche strictement linguistique, littérale et dénotationnelle. C'est négliger, par exemple, que la science utilise des instruments analogiques, la métaphore dans le cas de la mesure par exemple, ou bien encore, qu'en physique et en astronomie contemporaines elle parle de charme, d'étrangeté et de trous noirs. Même si le produit ultime de la science, contrairement à celui de l'art, est une théorie littérale, verbale ou mathématique, la science et l'art procèdent de la même façon dans leur recherche et leur construction.

Zizanies raconte comment une recherche, au départ académique et menée dans les règles de l'art, dévie de sa route. Jeune chercheuse et critique d'art, Clara Schulmann engage un travail sur les voix de femmes d'abord dédié aux voix-off cinématographiques. Progressivement, ses lectures s'élargissent, gagnent du terrain, quittent le domaine soi-disant réservé de la recherche universitaire. Sa propre vie s'immisce dans ce qu'elle écrit, les podcasts qu'elle écoute résonnent différemment, les histoires de ses amies lui restent en tête. Ces voix de femmes qui l'envahissent font valser les cloisons qui séparent encore les différents domaines de la pensée contemporaine. Aidée sur sa route par les auteures qui réfléchissent aujourd'hui aux effets de la transversalité (Donna Haraway, Vinciane Despret), par celles qui redynamisent les enjeux propres de la littérature (Nathalie Quintane, Valeria Luiselli, Chris Kraus), en regardant en arrière vers un héritage féministe peu connu en France et qui savait déjà faire dialoguer théorie et cinéma ou poésie et écriture critique (Denise Riley, Mary Ann Doane, Susan Howe), Clara Schulmann s'intéresse aux puissances de l'oralité lorsque celle-ci permet de repenser l'écriture au sens large. Les voix de femmes réunies ici forment ainsi une famille aux contours et aux attachements inattendus mais dont les engagements s'arriment aux préoccupations politiques les plus contemporaines : comment faire groupe ? comment se faire entendre ? comment trouver les mots justes ?

Analyse des ressorts esthétiques des pratiques artistiques et culturelles transformées par Internet et les technologies numériques. L'auteur tente de déterminer les singularités liées à l'usage des nouvelles technologies, repense l'acte de création, la promotion et la carrière des artistes ainsi que leurs oeuvres à la lumière des pratiques initiées par Internet. ©Electre 2019

Un livre imaginé par les artistes Yann Sérandour, Félicia Atkinson, Julien Bismuth et par la curatrice Sophie Kaplan, autour des questions de récit, d'écoute et d'improvisation. L'ouvrage prend comme point de départ un texte inédit de David Antin découvert au Getty, auquel s'ajoutent une dizaine de contributions. Le livre est pensé comme une voix à part entière, générant de nouveaux contenus propres à ce support. Il se construit autour d'un long texte inédit du poète et performeur américain David Antin. Intitulé cadrer et être cadré, ce texte enrichit la connaissance de l'oeuvre d'Antin, affirmant un certain rapport des artistes à leur travail, où les frontières entre l'art et la vie sont librement franchies. Lui répondent les contributions, elles aussi inédites, de poètes, penseurs et artistes de générations et nationalités différentes, qui ont en commun de s'interroger sur les questions d'oralité, d'écoute, de narration, de transmission, d'improvisation, de traduction, d'énoncé et d'énonciation, de texte comme partition à activer.

La "recherche-création" monte en puissance en France. Erin Manning et Brian Massumi en sont parmi les plus radicaux théoriciens. Ils se demandent dans ce petit ouvrage quelle écologie de l'expérience mettre en place, entre recherche et création, pour nous aider à penser ensemble et à mettre la pensée en acte. En guise de réponses, ils tirent de leurs expériences vingt propositions décoiffantes et enjouées, qui donnent des envies plutôt que des leçons. Ils sèment ainsi des graines d'événements éminemment politiques, dont notre avenir a bien besoin.

Une réflexion artistique, théorique et poétique sur le temps, les relations aux mondes, les devenirs et la pensée potentielle. Les auteurs décryptent les régimes existants de savoir et de pouvoir, essentiellement constitués de contraintes et de finitudes, obsédés par l'apocalypse. Ils définissent les éthiques, les lois et les modes d'existence à l'oeuvre dans le présent.

Maria Stavrinaki livre une réflexion ambitieuse sur les usages de la notion de préhistoire, sur les interprétations successives qu'en ont données non seulement les artistes, mais aussi les philosophes, les écrivains, les historiens, les historiens de l'art, les préhistoriens et les anthropologues, depuis son invention au XIXe siècle; à la fois dans l'écriture de l'histoire de la modernité et dans l'expérience moderne de la temporalité : un retour à la fondation de l'histoire humaine pour aider à penser notre condition présente.

La pensée de Jacques Rancière a profondément modifié la réflexion contemporaine, en particulier dans sa façon nouvelle d'articuler les rapports entre esthétique et politique. Bien qu'elle ait pris une place grandissante dans son ½uvre, à la faveur des derniers livres notamment, la question des images et de leur pouvoirs n'avait pas encore fait l'objet d'une interrogation spécifique. Une conversation, assortie d'une introduction par Andrea Soto Calderón, afin de mieux cerner en quoi les images sont le site d'une reconfiguration des possibles.

Cette réflexion énonce le risque d'une disparition progressive de l'image par un excès de visibilité. Aujourd'hui, le pouvoir passe par la maîtrise d'un monopole iconique. La mondialisation se traduisant par l'uniformisation des modèles, le monde court le danger de l'exténuation imaginale.

Une réflexion sur le thème de l'art et de la politique. L'auteur s'interroge sur les effets, dans le champ politique, de ce qu'il nomme le régime esthétique de l'art, c'est-à-dire la perte de la destination des oeuvres et l'égalité des sujets représentés.

Etude de la sociologue sur les caractéristiques de la création, la réception et la diffusion de l'art contemporain, qui renforcent sa place à part au sein de l'art, et marquent le discours de ses détracteurs et de ses défenseurs.

Alors que les perspectives des universités se modifiaient au niveau européen, les écoles d'art en France se sont trouvées obligées de répondre à ce que Pierre-Damien Huyghe présente comme une "injonction à faire de la recherche". Cette injonction a un contexte : le merchandising des savoirs. Le philosophe dresse un état des conséquences en matière d'éducation et d'enseignement, et examine les possibilités demeurant dans les champs des arts, du design et de l'architecture. Entre ces trois domaines, malgré les discussions, une parenté existe : tous ne sont pas intrinsèquement discours. Ainsi des expériences spécifiques de fabrique aptes à faire recherche peuvent s'y développer. Il s'agit de donner au fait de faire une place singulière et de faire cas de problèmes qui peuvent se poser en lui et depuis lui. Que sont ces cas ? Comment se montrent-ils ? Comment les relever ?

Le musée d'art contemporain dans toutes ses dimensions paradoxales. Organisée en trois grands chapitres ("Aujourd'hui", "Demain" et "Flux"), cette anthologie regroupe des essais originaux, des conversations approfondies, ainsi que des textes canoniques, offrant des perspectives complémentaires sur la muséologie d'aujourd'hui, interrogeant les paradoxes sous-jacents au concept même de musée d'art contemporain (mis en tension entre les pôles de la production et de la conservation), proposant de redéfinir ses rôles et ses tâches, examinant sa relation avec les différentes sphères publiques et explorant également son rapport à la normativité et à la règlementation liées aux pratiques de la collection, de l'organisation et de l'éducation.

L'hypothèse proposée par Elena Filipovic dans son projet éditorial The Artist as Curator est d'allégeance duchampienne : l'exposition est pour ces artistes "commissaires" à la fois un outil critique d'investigation de l'art et de ses institutions, et une forme d'expression encore inexplorée. A partir de l'analyse d'expositions passées issues de contextes différents, l'anthologie se propose de repenser la forme-exposition et d'en repousser les limites.

Recueil réunissant 100 manifestes d'artistes qui couvrent divers mouvements artistiques tels que le futurisme, le surréalisme, le mouvement Dada et bien d'autres et qui documente aussi bien le cinéma, l'architecture, l'art, la mode...