405 Théorie (s) de (s) l'Art (s)

Un ouvrage collectif qui explore les conditions de possibilité de "gestes" spéculatifs et véritablement engagés, dans le contexte d'une mise en crise généralisée des modes de pensée de la modernité.

Une étude historique portant sur le processus de légitimation du dessin dans l'art contemporain et les pratiques curatoriales.

Les textes ici réunis s'interrogent sur ce qui pourrait être une histoire de l'art depuis Walter Benjamin en mettant au travail les voies de recherche et de réflexion ouvertes par l'auteur des Passages.

En 1968, Jack Burnham propose d'utiliser le terme systèmes pour définir les pratiques artistiques de ces années-là, qui semblent dépasser le statut traditionnel de l'oeuvre comme objet. Dans deux essais célèbres, parus dans la revue Artforum, dont voici ici la première traduction française, Burnham dessine le profil d'une esthétique des systèmes: comme une perspective relationnelle qui relie des éléments hétérogènes, des dispositifs technologiques mais aussi des organismes vivants. L'artiste Hans Haacke adoptera le même terme pour décrire ses oeuvres des années 1960.

La transcription d'une conférence de Jacques Derrida autour de la figure de l'aveugle et de l'aveuglement en art : un document à double titre inédit, seule trace d'une exposition que Derrida réalisa au Louvre en 1991, et unique conférence qu'il donna dans une école d'art, celle du Havre.

Une analyse novatrice de notre rapport à l'image, par-delà les frontières disciplinaires, qui marque l'aboutissement du mouvement théorique des Visual Studies dont W.J.T. Mitchell a été l'un des principaux initiateurs aux Etats-Unis.

Ces deux essais analysent les transformations et bouleversements que le musée a connus ces dernières années. Les deux sémiologues interrogent les notions d'exposition, de collection, d'espace, de public ou encore de culture pour éclairer les enjeux du musée aujourd'hui.

Une analyse de l'élaboration et de l'évolution du concept de modernité, de la première moitié du XIXe siècle à la fin du second Empire, à travers les textes fondateurs artistiques et critiques. L'auteur met en lumière le rôle de la peinture du XIXe siècle dans la construction de ce concept. ©Electre 2015

Ouvrage collectif réunissant une trentaine de contributeurs, In octavo est le fruit d'une recherche expérimentale radicale conduite entre artistes et théoriciens (philosophes, sociologues, historiens, scientifiques...) autour de la question des formats de l'art (non pas seulement en tant qu'ensemble de dimensions ou de normes techniques, mais comme cadre opératoire, matrice et instrument), question oubliée qui traverse pourtant en profondeur les pratiques artistiques contemporaines.

Curating From A to Z constitue un résumé de l'évolution des pratiques curatoriales au cours des deux dernières décennies, vue à travers les yeux du commissaire Jens Hoffmann. Dans cette publication, chaque lettre de l'alphabet est l'occasion de s'arrêter sur un mot particulier lié au monde de la production de l'exposition.

Face à la transformation considérable des formats de présentations des oeuvres, exposition, publications, sites web, etc., Marges s'interroge sur ces nouveaux dispositifs et sur leur capacité à affecter le spectateur.

La science-fiction, dans sa version littéraire ou cinématographique, a depuis longtemps alimenté les visions technologiques en mettant en scène toutes sortes d'objets futuristes. Pour autant, ces artefacts emblématiques semblent absents de notre vie de tous les jours, comme si l'avenir décrit depuis une soixantaine d'années était sans cesse repoussé. Doit-on se cantonner à ces visions du futur ? Des imaginaires alternatifs ne sont-ils pas en cours de construction ? Est-ce que cet avenir technologique n'est pas advenu autrement ?

L'atelier de recherche Mémoire à l'oeuvre, dirigé par Gilles Coudert, est un projet collaboratif, axé sur la mémoire active des oeuvres, à travers la rencontre avec des artistes vivants. Mené de 2010 à 2014, dans le cadre de l'École Supérieure d'Art d'Avignon, il a permis d'interroger à partir du processus créatif, les conditions de préservation, restauration et transmission de l'oeuvre d'art contemporaine. À travers cet ensemble d'interventions, apparaît la complexité artistique, matérielle et éthique des pratiques liées à la conservation, la restauration et la transmission de l'art contemporain.

Dans notre société actuelle, qui met tant l'accent sur le visuel et le virtuel, l'esprit et le corps sont devenus des entités déconnectées.La plastique est le centre de l'attention, alors que le corps humain, comme incarnation du savoir, n'est plus reconnu en tant que tel. C'est pourtant en mobilisant en permanence nos cinq sens que le corps devient notre propre outil de perception du monde. Dans cet ouvrage, Juhani Pallasmaa revalorise cette fusion totale du mental et de la capacité manuelle. En tant qu'architecte, artiste et enseignant, il s'interroge sur le potentiel miraculeux de la main humaine.

Les choses de QUIZ sont rares, perverses, traîtres, sans scrupule, sans morale, sans histoire, implicitement critiques. A travers une centaine d'oeuvres d'artistes et de designers internationaux, QUIZ interroge la frontière entre art et design. Autant d'objets hybrides et récalcitrants qui résistent aux typologies pré-établies des choses méconnaissables, qui intriguent, laissent perplexes, et surtout suscitent une grande liberté pour les appréhender et les apprécier.

Issu d'une conférence prononcée en 1935 et 1936, ce texte déconstruit le concept d'art tel qu'il est hérité de la tradition idéaliste platonicienne.

Cet ouvrage définit la figure du "feuilleté" dans divers domaines des arts visuels récents, analysant ses modes d'expression singuliers et ses enjeux culturels. Qu'ils opèrent en milieu transparent ou opaque, les gestes de superposition déterminent différents espaces plastiques feuilletés ; ils relèvent d'une ambivalence anthropologique qui traverse les systèmes de représentation, de l'ancienne dichotomie métaphysique de l'univers (visible invisible, éternel éphémère) à l'épreuve concrète d'un objet artistique stratifié ou d'une installation cloisonnée aujourd'hui.

François Bovier et Adeena Mey ont rassemblé les textes que René Berger a consacrés à l'emergence et à la généralisation de l'art vidéo entre 1971 et 1997. Empruntant des outils d'analyse à la cybernétique et à la sémiologie, Berger décrit le vidéoart comme une pratique à l'intersection de plusieurs médias qui interroge la valeur d'exposition de l'art en introduisant un facteur temporel. La vidéo participe à un effet de dislocation et de relocation de l'oeuvre d'art, questionnée ici dans la perspective des nouvelles images animées et de l'essor de l'informatique.