401 Nouveautés

Performeuse et artiste multimédia américaine.Afin de la protéger des tracas que le régime castriste faisait peser sur ses parents, à l'âge de 12 ans, elle est envoyée avec sa soeur aux États-Unis, où elle obtient ses diplômes de peinture, multimédia et art vidéo à l'université de l'Iowa, lieu de ses premières performances entre 1972 et 1974, qui portent toutes les stigmates de ce déchirement familial et culturel.

Une exposition sur l'oeuvre complète de Sarah Lucas. Une artiste dont les oeuvres sont provocatrices et interrogent les notions de genre, de sexualité mais aussi d'identité. Se dévoiler n'est pas si facile et encore moins si la couche de maquillage luisante et graisseuse a été balayée d'un grand coup de jambe en coton. Sans artifices, ni paillettes, l'exposition sur la célèbre plasticienne offre l'immensité de tout son travail et les dénouements de sa pratique artistique.

Le travail d'Herman de Vries a toujours été étroitement lié à la contemplation de la nature. Abandonnant progressivement son métier de naturaliste pour se consacrer à l'art, Herman de Vries s'applique à démontrer dans son travail l'universalité du paysage et la réalité primaire de la nature. "Parce que nous avons perdu toute relation d'immédiateté avec la nature, nous avons besoin de la médiation supplémentaire de l'art pour restaurer l'unité que nous formions avec elle".

Exposition-phare de l'offre muséale new-yorkaise cette année, A Synthesis of Intuitions propose aux visiteurs du MoMA une mise en contexte éclairante de l'artiste conceptuelle et philosophe analytique Adrian Piper. L'exercice de la rétrospective sied particulièrement bien au travail de Piper. D'une part, la vaste quantité de notes et d'archives accumulées par l'artiste depuis des décennies apportent une mise en contexte éclairante des oeuvres exposées. D'autre part, le regroupement des oeuvres permet de relever les préoccupations qui accompagnent l'artiste depuis ses débuts.

Ce catalogue entièrement illustré est la publication la plus complète à ce jour sur le travail de Ruppersberg. Il contient une richesse de contenu scientifique et une écriture critique reliant le travail de Ruppersberg au domaine plus vaste de l'art contemporain. Produit par le studio de design primé du Walker et en étroite collaboration avec l'artiste, le livre présente une vision holistique de la vaste pratique de Ruppersberg depuis 50 an

Catalogue monumental bilingue (français / anglais) de la quadruple exposition rétrospective majeure de Gilbert & George, célébrant 50 ans d'une pratique commune marquée par l'impertinence et la démesure, revenant en images sur une vaste sélection d'expositions historiques et d'½uvres emblématiques, avec cinq entretiens du duo d'artistes par Hans Ulrich Obrist et Daniel Birnbaum. (Les presses du réel)

Catalogue "bio-monographique" éclairant la démarche de l'artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie.

Comment apprend-on à voir l'?oeuvre d'un artiste ? Quelles techniques, quels gestes, quels réflexes faut-il mettre en place ? Comment reconnaît-on un vrai tableau d'une contrefaçon ? Les archives Henri Michaux sont le lieu où s'élabore patiemment depuis plus de dix ans le futur catalogue raisonné de l'artiste. En transformant ce site en terrain ethnographique (une ethnographie du voir), Franck Leibovici donne ici accès à un lieu, rare, habituellement absent des cartes du monde de l'art, ou rarement pris en compte comme centre névralgique de la vie publique d'une oeuvre - un lieu de fabrique du regard.

Depuis 2003, Thomas Hirschhorn réalise seul ou avec le philosophe Marcus Steinweg de grands schémas qu'il dénomme Maps, où dialoguent des images collées, des fragments de textes et ses propres commentaires. Ce volume se concentre sur cet aspect particulier de sa pratique. Éditée et présentée par Julie Enckell Julliard, la publication reproduit 15 Maps réalisées entre 2003 et 2016. Vaste archive des travaux de Thomas Hirschhorn, ces schémas font fonction d'outils pour clarifier sa pensée, d'hommages aux figures qui l'ont inspiré (comme Foucault, Spinoza, Arendt et Nietzsche), de manifestes thématiques et de dispositifs de résistance.

Comme l'indique son titre, René Daniëls. Fragments d'un roman inachevé, propose une narration ouverte et met l'accent sur le caractère inachevé du corpus de l'artiste mais aussi d'un grand nombre de peintures elles-mêmes. La technique picturale rapide de Daniëls, l'aspect fragmentaire ou approximatif de certains de ses motifs, les marques visibles de correction ou encore l'absence de début ou de fin des espaces qu'il dépeint sèment le doute sur l'état d'achèvement de ses images. René Daniëls nous offre ainsi les pièces d'une intrigue dont le sens restera à jamais ouvert.

Multicouche, entrelacé, construit, usé, humoristique, parfois irritant et troublant, élégant et souvent massif. Ce ne sont là que quelques-unes des façons possibles de capturer les mots de Daniel Dewar et Grégory Gicquel, après leurs vingt années passées ensemble en duo artistique. Cette monographie revient en arrière et fait en même temps le point sur ce qui se situe dans le présent. Il s'agit d'un inventaire chronologique de l'oeuvre et révèle ainsi son évolution, montrant comment l'oeuvre a évolué en deux décennies. L'idée de ce livre est née dans une conversation avec les artistes lors de la préparation d'une exposition à Portikus en 2017. Cela a été rendu possible grâce à une collaboration avec plusieurs autres institutions artistiques, où les artistes ont eu des expositions personnelles en 2016, 2017 et 2019.

L'artiste détourne l'usage du vêtement dans des réalisations empreintes d'humour et d'absurde. Elle utilise le dessin, la photographie ou la vidéo et réalise également des habits qu'elle offre au public. Cette monographie revient sur son parcours depuis ses études en Belgique, ses influences, notamment Walter Van Beirendonck et Martin Margiela, et sa démarche entre mode et art. ©Electre 2020

Catalogue consacré aux affinités esthétiques que le peintre développa au cours des années 1950 avec une constellation d'artistes appartenant à la mouvance Gutai au Japon, au mouvement spatialiste en Italie ou encore au groupe Zero en Allemagne et au groupe NUL aux Pays-Bas. C'est à cette époque que la recherche de l'artiste autour de l'immatériel atteint son apogée. ©Electre 2020

Cet ouvrage est publié à l'occasion de l'exposition Christo. Femmes 1962-1968, présentée au musée Yves Saint Laurent Marrakech, du 23 mars au 2 juin 2019. L'ouvrage réunit un ensemble d'oeuvres inédites tirées des archives de l'artiste telles que des dessins, des maquettes et des photographies. Christo présente le travail effectué avec sa femme Jeanne-Claude sur le corps de la femme, la sculpture et la mode.

Catalogue de l'exposition rétrospective présentée à la National Gallery de Washington du 7 juin au 13 septembre 2020, puis au Museum of Fine Arts de Houston, du 18 octobre 2020 au 18 janvier 2021, à la Tate Modern de Londres du 16 février au 13 juin 2021, et enfin au Museum of Fine Arts de Boston du 17 juin au 13 septembre 2021. Importante rétrospective qui rassemble près de 190 peintures qui couvrent l'ensemble de la carrière de Philip Guston, des peintures expressionnistes abstraites des années 1950 aux célèbres peintures figuratives des années 1970-1980 qualifies de bad painting. Des artistes contemporains sont invités à réagir sur l'oeuvre de Philip Guston : Trenton Doyle Hancock, Rirkrit Tiravanija, Amy Sillman, Tacita Dean, David Reed, William Kentridge, Glenn Ligon, Peter Fischli, Art Spiegelman...

My epidemic (texts about my work and the work of other artists) est une anthologie, publiée en langue anglaise uniquement, de textes de l'artiste française Lili Reynaud-Dewar. L'ensemble réunit pour la première fois des essais et des critiques parus dans divers revues et catalogues, en France et à l'étranger, sur une douzaine d'années. Des textes écrits pour ou sur des artists (Lothar Hempel, François Curlet, Caroline Mesquita, John Smith, entre autres) côtoient des textes de conférences, ainsi qu'un petit traité sur l'enseignement de l'art.

Le livre est constitué de nombreuses vues d'exposition, de reproductions d'oeuvres et d'un entretien avec l'artiste conduit par Yoann Gourmel et Laure Fernandez, ainsi que des essais de Merel van Tilburg, Léonor Delaunay et Manuel Charpy. Nourrie de littérature, d'histoire des arts et de l'architecture, mais aussi de psychanalyse, de spiritisme et de magie, Ulla von Brandenburg emprunte aussi bien aux codes et aux mécanismes du théâtre qu'aux rituels ésotériques et aux cérémonies populaires afin d'explorer la construction de nos structures sociales. Pour son exposition au Palais de Tokyo, elle a imaginé un projet total et évolutif, inspiré du théâtre, de son imaginaire et de ses conventions. Autour de la notion de rituel, l'artiste invite le public à prendre part à une expérience immersive et renouvelée des thèmes, des formes et des motifs qui irriguent son oeuvre : le mouvement, la scène, la couleur, la musique, le textile...

Sol LeWitt (1928-2007), l'un des artistes les plus influents du XXe siècle, a bouleversé les pratiques traditionnelles de fabrication et de commercialisation de l'art. Personnage clé du minimalisme et du conceptualisme, il a proclamé que le travail de l'esprit est beaucoup plus important que celui de la main. Pour son travail spécifique au site - dessins muraux et sculptures dans des dizaines de pays - il a créé l'idée et le plan de base, puis a engagé de jeunes artistes pour installer les ½uvres. Bien que généralement énormes et complexes, les oeuvres physiques n'ont aucune valeur. La valeur était dans les morceaux de papier qui les ont certifiés et décrits.

C'est le premier ouvrage à présenter une large sélection d'oeuvres du Musée des Erreurs. Fondé à Bruxelles en 2013 par Pierre Leguillon, le Musée des Erreurs est une exposition itinérante qui campe dans les salles des musées physiques - comme un cirque ambulant qui vient en ville - puis se déplace. Le reste du temps, la collection est conservée dans l'atelier de l'artiste, principalement dans ses armoires de cuisine. La plupart des articles sont fabriqués en série et d'une valeur matérielle négligeable : cartes postales, pochettes de disques, affiches grandes et petites, pièces de tissu, céramiques, art populaire, dessins d'enfants et autres divers. Ce livre comprend également des pièces jugées trop petites, fragiles ou insignifiantes pour être visitées dans le passé, ainsi que les propres photographies de l'artiste de scènes de rue quotidiennes qui éclairent diverses facettes de la collection. Qu'ils soient signés ou anonymes, ces artefacts défient toute prétention d'autorité à une époque où la culture visuelle est partagée sur les médias sociaux et partout sur le Web, sans distinction de valeur substantielle ou esthétique, souvent sans légendes et, trop souvent, avec attributions erronées. Pour Leguillon, le tri et le remaniement constants de la collection nous aident à revisiter les interprétations conventionnelles et à subvertir, avec une bonne dose d'humour, le genre de "prêt-à-porter" culturel que tant de musées nous servent aujourd'hui.