236 Photographie (s)

Pour réaliser sa création, l'artiste a déambulé dans onze communes de la métropole, au gré de noms de rues attrayants, essentiellement au printemps et en été. Elle y a collecté des plantes et des fleurs qu'elle a photographiées le jour même dans sa chambre.

Pour ses photographies, l'artiste observe, déplace et collecte des éléments (pierres, bois, végétaux) qu'elle intègre dans des grandes compositions. ©Electre 2019

Ce portrait du photographe italien L. Ghirri (1943-1992), écrit par son éditeur et ami, retrace sa carrière, ses travaux, ses fréquentations dans le milieu artistique de Modène et présente son oeuvre et ses apports théoriques qui ont marqué l'histoire de la photographie italienne. Ponctué de souvenirs et d'entretiens, l'ouvrage comprend aussi des textes et des photos de l'artiste. ©Electre 2019

Dans ce livre sont rassemblés des essais de John Berger qui, chacun à leur manière, traitent de façon engagée de la photographie. "Toute photographie est en réalité un moyen d'examiner, de confirmer et de construire une vue globale de la réalité. D'où le rôle crucial de la photographie dans la lutte idéologique. D'où la nécessité pour nous de comprendre une arme que nous pouvons utiliser et qui peut être utilisée contre nous." (John Berger, extrait de "Comprendre une photographie")

Laurie Simmons (américaine, née le 3 octobre 1949 à Long Island), photographe et réalisatrice associée au groupe d'artistes appelé The Pictures Generation, est surtout connue pour ses images de poupées, de marionnettes et de mannequins. Simmons étudie à la Tyler School of Art de Philadelphie en 1971 et déménage à New York en 1973. Ses premières oeuvres décrivent des maisons de poupées évoquant des peintures hollandaises d'intérieurs et des publicités trouvées dans des magazines des années 1950 sur l'entretien de la maison. Elle s'interroge sur la véracité du réalisme photographique et les stéréotypes de la culture américaine, comme dans sa série Cowboys (1979) qui met en scène des figurines de cowboys dans des décors extérieurs reproduits à l'échelle réelle.

Les Rencontres de la photographie fêtent leurs cinquante ans ! Le succès de cette aventure emblématique de l'histoire des festivals en France a largement dépassé les espérances des fondateurs : Arles est devenu un lieu de découverte, de débat, parfois de scandale, et le festival, un événement incontournable pour tous les photographes, exposés ou de passage. Une collection riche de plus de 3 300 oeuvres a été constituée au fil du temps où se côtoient grands maîtres, jeunes photographes ou anonymes. À l'occasion de leur cinquantenaire, les Rencontres ont initié un vaste programme de valorisation de leur collection, présentée pour la première fois dans cet ouvrage à partir d'un corpus de 300 oeuvres établi par Sam Stourdzé. Françoise Denoyelle, historienne de la photographie, retrace l'histoire du festival et plus largement l'évolution du monde de la photographie au cours de ces cinq décennies.

Synthèse de la photographie française des cinquante dernières années, de la photographie d'information et de reportage à celle qui s'expose dans les galeries d'art contemporain. ©Electre 2019

L'une des figures les plus influentes de la scène artistique américaine de la deuxième moitié du XXe siècle, Wright Morris (1910-1998) sillonne les grandes plaines du Midwest durant les années 1930. Cette première monographie en français est consacrée à son travail photographique qu'il réalise durant cette période. Il photographie la vie simple des Américains empruntant au réalisme des auteurs et photographes de la Grande Dépression, tels John Steinbeck ou encore Walker Evans. Ses photographies, quasiment toujours vides de toute présence humaine, montrent des objets récurrents du quotidien. Des vêtements sans corps, des lits et des chaises vides, des couverts déposés sur une table : le temps est suspendu, l'image énigmatique. L'esprit des lieux est ici matérialisé par une infinité de détails ; Morris réussit à "capturer l'essence du visible".

Lorsque je me mets en route, je n'ai aucune spécialité, je suis dilettante en tout ; j'aime la musique sans être véritablement musicologue, je fais des photographies sans être photographe, et j'écris de temps en temps sans être véritablement écrivain. Je crois que si je devais me prévaloir d'une spécialité, j'opterais pour celle de voyageur. Etre l'oeil ou l'esprit qui se promène, observe, compare et ensuite relate, une sorte de témoin.

Dans Fragments de temps, l'écrivain et photographe américain Wright Morris propose une analyse personnelle, littéraire des liens entre texte et image, mêlant autobiographie, critique et fiction. Il examine la tension créative entre lui-même et la réalité "objective", entre l'artiste et les moyens de sa profession et au sein du processus créatif.

Comme le titre l'indique, c'est une exposition, et un livre, sur l'interaction entre mots et images : les mots propres de la photographe, les mots prononcés par les personnes photographiées, les mots qui accompagnent la publication des photographies (textes d'écrivains ou de journalistes, légendes et paratexte dans les expositions, critiques des livres ou des expositions). Un livre très intéressant, bien documenté, apportant un éclairage nouveau sur le travail de Dorothea Lange.

"Rétrospective de l'oeuvre de David Goldblatt, une figure clef du XXe siècle et de la photographie contemporaine. En incluant ses clichés de jeunesse, le livre explique les fondements de la passion critique de Goldblatt pour la photographie, sa sensibilité sociale ainsi que sa conscience politique. Ses photographies plus récentes, montrant l'Afrique du Sud en pleins changements, sont également présentées. "Structures de domination et de démocratie" assemble plusieurs des séries de Goldblatt, notamment "On the Mines", "Some Afrikaners" et "Structures". Avec de nombreux textes écrits par l'artiste, ainsi que des essais rédigés par Ivor Powell et Karolina Ziebinska-Lewandowska, ce catalogue explore le travail de Goldblatt dans le contexte politique d'Afrique du Sud, son pays d'origine, ainsi que dans l'histoire plus générale de la photographie."

Sleeping by the Mississippi par Alec Soth est l'une des publications les plus marquantes de l'ère du livre photo. Publié pour la première fois par Steidl en 2004, ce fut le premier livre de Soth, vendu en trois éditions, et l'établit comme l'une des principales figures de la pratique photographique contemporaine. Évoluant à partir d'une série de voyages sur la route le long du fleuve Mississippi, la "troisième côte" emblématique mais souvent négligée de l'Amérique, les photographies couleur grand format richement descriptives de Soth présentent un mélange éclectique d'individus, de paysages et d'intérieurs. Sensuelle dans les détails et brute dans le sujet, l'oeuvre suscite une humeur constante de solitude, de désir et de rêverie. Cette édition MACK comprend deux photographies non publiées dans les versions précédentes.

La photographie, que l'on a pu qualifier d'"art moyen" dans ses usages ordinaires, est en réalité, dans ses usages artistiques, un art de l'excès. Littérale et réaliste à l'extrême dans certains cas, fictionnelle et fantastique dans d'autres, elle semble osciller entre différents registres, description et invention, simulacre et semblance, non par une quelconque "nature" qui lui serait propre (son "essence"), mais comme si elle était emportée par ce qui la déborde. Est-ce la profusion insaisissable des phénomènes, ou au contraire celle de la conscience qui les perçoit (ou les imagine) ? Est-ce l'irréductible perte de ce qui a été (le fameux "avoir-été-là barthésien") ? Si une réponse est possible, elle ne peut que se fonder sur des traces, des signes, des empreintes : la photographie est un jeu de restes, ce qui reste d'un parcours, d'une expérience, irréductible à autre chose. Sans équivalents (mais cela n'empêche pas d'en chercher...), sans commune mesure. Les seize textes réunis ici tentent de rendre compte de ces questions, de ces tensions qui traversent et structurent l'expérience photographique. Ils s'appuient pour cela sur des oeuvres ou des cheminements bien précis, qui sont envisagés comme autant de territoires d'expérimentation et d'interrogations.

Une mise en perspective photographique de la transformation du bassin minier du Nord et du Pas-de-Calais au travers de clichés pris à quarante ans d'écart. La narration suit un parcours d'est en ouest où alternent les images des années 1970 et 1980 en noir et blanc, et celles récentes en couleur. ©Electre 2020

Si la vue vaut d'être vécue propose une dizaine d'histoires d'images : de la toute première photographie prise par Nicéphore Niépce à un cliché volé de Britney Spears, en passant par un nu d'Henri Cartier-Bresson, des images anonymes et quelques oeuvres contemporaines. Au fil de cet ouvrage, où le plaisir du texte affleure à chaque page, il est question d'une bible vicieuse, de pilules aphrodisiaques, d'un inventeur de parachute, de momies immobiles et de fantômes de guillotinés. Au prétexte de confondre la vie et la vue, Clément Chéroux offre un récit unique de son expérience des images. Avec une érudition volontiers moqueuse et jubilatoire, il explique pourquoi, depuis près de trois décennies, il passe le plus clair de son temps à chercher, regarder, partager des photographies, à parler, lire ou écrire sur ce genre si particulier d'enregistrement du monde. Il raconte la découverte d'images qui ont eu pour lui l'effet d'un tremblement de terre. Il interroge les symptômes de ce qu'il décrit comme une forme non bénigne d'épistémophilie photographique.

Ce livre opulent compile les images issues de l'échange photographique entre, d'une part, Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari et, d'autre part, le photographe britannique Martin Parr. Les fondateurs de Toilet Paper ont demandé à leur prestigieux invité de concevoir un dialogue entre leurs images et ses propres photographies. Le résultat se présente sous la forme d'un jeu de correspondances à la fois ironique, subversif et troublant, qui fait de cette publication un objet captivant au pouvoir fortement addictif.

Issu d'un travail de terrain mené en Grèce entre juillet 2017 et janvier 2020, cet ouvrage associe photographie documentaire critique et philosophie de terrain. Il présente l'action des réseaux de solidarité à travers 123 entretiens de 145 personnes d'origine, de conditions et d'âges divers, qui abordent, entre autres, le soutien aux migrants de Lesbos et la lutte contre les violences policières.

Cette publication est composée de toutes les diapositives de Frido Troost (1960-2013) utilisées pour ses cours à la Gerrit Rietveld Academie. Troost, historien de l'art de métier, a été un pionnier dans la collecte de photographies de toutes sortes. Sa collection contenait des photographies de tous genres, allant des daguerréotypes aux gravures d'albumine, des photos stéréo aux albums de famille. Les images de ce livre proviennent de toutes sortes de sources: peintures, publicités, érotisme, objets d'art, portraits, etc. Elles forment une nouvelle collection qui représente le regard associatif de Frido Troost. Les diapositives sont présentées par blocs de neuf, telles qu'utilisées par le professeur pendant ses classes, une configuration non hiérarchique qui invite le spectateur à relier librement les images. Un ensemble controversé qui couvre une grande partie de l'histoire de la photographie.