405 Théorie (s) de (s) l'Art (s)

La "recherche-création" monte en puissance en France. Erin Manning et Brian Massumi en sont parmi les plus radicaux théoriciens. Ils se demandent dans ce petit ouvrage quelle écologie de l'expérience mettre en place, entre recherche et création, pour nous aider à penser ensemble et à mettre la pensée en acte. En guise de réponses, ils tirent de leurs expériences vingt propositions décoiffantes et enjouées, qui donnent des envies plutôt que des leçons. Ils sèment ainsi des graines d'événements éminemment politiques, dont notre avenir a bien besoin.

Un livre imaginé par les artistes Yann Sérandour, Félicia Atkinson, Julien Bismuth et par la curatrice Sophie Kaplan, autour des questions de récit, d'écoute et d'improvisation. L'ouvrage prend comme point de départ un texte inédit de David Antin découvert au Getty, auquel s'ajoutent une dizaine de contributions. Le livre est pensé comme une voix à part entière, générant de nouveaux contenus propres à ce support. Il se construit autour d'un long texte inédit du poète et performeur américain David Antin. Intitulé cadrer et être cadré, ce texte enrichit la connaissance de l'oeuvre d'Antin, affirmant un certain rapport des artistes à leur travail, où les frontières entre l'art et la vie sont librement franchies. Lui répondent les contributions, elles aussi inédites, de poètes, penseurs et artistes de générations et nationalités différentes, qui ont en commun de s'interroger sur les questions d'oralité, d'écoute, de narration, de transmission, d'improvisation, de traduction, d'énoncé et d'énonciation, de texte comme partition à activer.

Zizanies raconte comment une recherche, au départ académique et menée dans les règles de l'art, dévie de sa route. Jeune chercheuse et critique d'art, Clara Schulmann engage un travail sur les voix de femmes d'abord dédié aux voix-off cinématographiques. Progressivement, ses lectures s'élargissent, gagnent du terrain, quittent le domaine soi-disant réservé de la recherche universitaire. Sa propre vie s'immisce dans ce qu'elle écrit, les podcasts qu'elle écoute résonnent différemment, les histoires de ses amies lui restent en tête. Ces voix de femmes qui l'envahissent font valser les cloisons qui séparent encore les différents domaines de la pensée contemporaine. Aidée sur sa route par les auteures qui réfléchissent aujourd'hui aux effets de la transversalité (Donna Haraway, Vinciane Despret), par celles qui redynamisent les enjeux propres de la littérature (Nathalie Quintane, Valeria Luiselli, Chris Kraus), en regardant en arrière vers un héritage féministe peu connu en France et qui savait déjà faire dialoguer théorie et cinéma ou poésie et écriture critique (Denise Riley, Mary Ann Doane, Susan Howe), Clara Schulmann s'intéresse aux puissances de l'oralité lorsque celle-ci permet de repenser l'écriture au sens large. Les voix de femmes réunies ici forment ainsi une famille aux contours et aux attachements inattendus mais dont les engagements s'arriment aux préoccupations politiques les plus contemporaines : comment faire groupe ? comment se faire entendre ? comment trouver les mots justes ?

Dans Manières de faire des mondes, l'auteur s'interroge sur la croyance commune qui voudrait que les ressources de l'artiste soient plus variées et plus impressionnantes que celles du scientifique. À l'artiste, les modes de référence, littérale et non littérale, linguistique et non linguistique, dénotationnelle et non dénotationnelle, dans la diversité des médias. Au scientifique, une approche strictement linguistique, littérale et dénotationnelle. C'est négliger, par exemple, que la science utilise des instruments analogiques, la métaphore dans le cas de la mesure par exemple, ou bien encore, qu'en physique et en astronomie contemporaines elle parle de charme, d'étrangeté et de trous noirs. Même si le produit ultime de la science, contrairement à celui de l'art, est une théorie littérale, verbale ou mathématique, la science et l'art procèdent de la même façon dans leur recherche et leur construction.

Loin de relire l'histoire de l'art en lui appliquant de façon anachronique le terme "queer", utilisé positivement dans les milieux militants depuis la fin des années 1980, Pour une esthétique de l'émancipation cherche à montrer comment l'écriture de l'Histoire de l'art a minoré l'importance des engagements politiques et affectifs des artistes et rendu inopérante la portée sociale de leurs oeuvres. En imaginant des amitiés inédites entre des artistes du passé, Isabelle Alfonsi fait émerger une lignée féministe et queer pour l'art contemporain. Des pratiques artistiques du XXe siècle sont ainsi replacées dans le contexte du militantisme de défense des droits des homosexuel.le.s et de la formation d'une critique radicale féministe et anticapitaliste. Claude Cahun et Michel Journiac croisent l'histoire du minimalisme états-unien, vu à travers Lynda Benglis, Lucy Lippard ou Yvonne Rainer. Les guerres de représentation menées pendant la crise du sida sont lues au prisme des oeuvres de Felix Gonzalez-Torres, du concept de désidentification de José E. Muñoz et de l'activisme culturel du groupe Boy/Girl with Arms Akimbo, dans le San Francisco des années 1980.

L'auteure propose une analyse historique et conceptuelle de la notion d'expérience esthétique en la mettant à l'épreuve de l'art contemporain.

Plutôt que de s'interroger sur le manque de femmes parmi les grands artistes, l'auteure remet en question la notion de grandeur et critique le point de vue masculin blanc qui imprègne la pensée de l'art à travers l'histoire. Sa réflexion permet une nouvelle forme d'appréciation pour l'art du XXIe siècle tout en initiant un point de vue féministe de l'histoire de l'art. ©Electre 2021

Alors que les questions écologiques hantent nos pensées et orientent nos comportements aussi bien individuels que collectifs, Julie Sermon analyse dans cet essai les résonances de ces problématiques dans le champ des arts vivants. En quoi affectent-elles les manières d'écrire, de produire et de jouer des oeuvres, mais aussi de les recevoir et d'en parler? Qu'est-ce que les arts vivants peuvent, selon leurs modalités spécifiques, nous donner à penser de et dans cette conjoncture? À travers plusieurs exemples concrets, l'autrice nous raconte ce que la prise en compte de l'écologie fait advenir sur les scènes contemporaines, en s'attachant aussi bien aux aspects thématiques et esthétiques des spectacles qu'à leurs processus de création. Cet ouvrage importe pour la première fois dans le contexte francophone les outils et les réflexions de l'écocritique, une approche théorique transdisciplinaire ayant vu le jour dans la sphère académique anglo-saxonne dans les années 1980 qui vise notamment à renouveler le cadre d'analyse des oeuvres produites en problématisant leurs liens avec l'écologie. Morts ou vifs se présente comme un point d'accroche permettant de générer le débat, et renouvelle nos façons de voir et penser les oeuvres produites ces dix dernières années.

Le parcours de Carla Lonzi, critique d'art et figure centrale du féminisme italien. L'auteure met en évidence la complexité de la pensée de C. Lonzi et analyse ses idées relatives au rôle de la femme dans l'art et à la créativité dans le féminisme. ©Electre 2021

Outre l'exceptionnelle acuité de ses analyses des oeuvres des artistes qui ont marqué la scène artistique londonienne depuis la seconde guerre mondiale, David Sylvester est l'un des premiers en Europe, à avoir saisi l'importance et la portée du renouvellement artistique opéré outre-Atlantique par les représentants de l'expressionnisme abstrait et leurs descendants. Ce regard tourné vers l'Amérique ne l'a pas empêché de porter, tout au long de sa vie, une attention très vive aux artistes du vieux continent, attention nourrie d'une part d'une profonde connaissance des pionniers du modernisme et, d'autre part, d'un lien privilégié à Paris où il n'a cessé de revenir depuis la fin des années 1940. En dépit de cette proximité et de son attachement à la France, son oeuvre prolifique et très largement commentée dans les milieux académiques anglosaxons n'est que peu, et très partiellement, connue du lectorat francophone. Cet ouvrage vise à combler cette lacune en proposant un corpus de textes critiques et d'entretiens d'artistes qui offre un aperçu rétrospectif de la façon dont Sylvester a regardé, pensé et écrit sur l'art du XXe siècle.

"Go to College!" clame le magazine Life en 1940. Alors que l'Europe sombre dans le chaos, les États-Unis s'évertuent à assurer la production internationale des savoirs et à promouvoir un idéal alternatif de démocratie éclairée. Au même titre que toute la population, les artistes sont encouragés à converger vers les universités pour participer à la fondation d'un nouveau rêve américain, porté par la recherche. Revenant sur ce projet politique méconnu, L'Artiste-chercheur retrace l'émergence d'une figure de l'artiste dont l'activité bascule soudainement dans le champ universitaire. Pour comprendre cette mutation, Sandra Delacourt suit la trace de Donald Judd, artiste minimaliste, qui dans la deuxième partie du XXe siècle fut désigné ambassadeur d'un "art éduqué". À travers lui, l'auteure nous invite à suivre l'évolution, non linéaire, d'un nouvel imaginaire pour l'art et pour la recherche, et expose la manière dont différentes générations d'artistes s'en sont emparées ou l'ont rejeté. Alors que depuis quelques années la recherche créative fait l'objet d'un nouvel engouement, cet ouvrage propose d'explorer les désirs antagonistes qui ont conduit l'art et le savoir à pointer un horizon commun.

De multiples caractéristiques réunissent les écoles d'art visitées dans cet ouvrage. Elles sont, le plus souvent, créées à l'initiative d'un artiste agissant seul ou avec quelques acolytes qui partagent une même vision de l'art : dans cette galaxie se côtoient Courbet et Whistler, Léger, Morris, Chagall, Malévitch, Gropius, Cage ou Isou. Elles peuvent aussi naître d'un groupe, lorsque de nouvelles frontières artistiques ou politiques nécessitent des cadres réinventés (ainsi des impressionnistes, des Nabis, des abstraits ou des vhutémas). Ces éléments, isolés ou combinés, transforment durablement l'ensemble des méthodes et des objectifs de la transmission du savoir dans le champ de la création, ouvrent à des formes nouvelles d'enseignement, et parfois causent des ruptures profondes, aussi bien dans l'enseignement que dans l'art et l'esthétique en général. Les différentes études sur l'enseignement artistique supérieur abordent rarement les relations entre les modèles officiels qui le constituent et les alternatives apparues dans l'histoire pour s'en démarquer ou s'y opposer.

Comment une image peut-elle parler d'autres images ? Des formes métavisuelles existent-elles dans l'art ? Quelles modalités et stratégies pourraient être adoptées par un registre visuel second qui se sert pourtant du même moyen d'expression des œuvres auxquelles il se réfère ? Quels sont les modes de ce renvoi aux œuvres ? Peut-on parler de la mise en place de systèmes de traduction qui marqueraient le passage de l'œuvre à sa description ? Peut-on esquisser un cadre typologique des reprises stylistiques, des références iconographiques, des transpositions visuelles ? En essayant de trouver des réponses à ces questions, j'ai repéré quelques phénomènes métavisuels en histoire de l'art : le Libro de'disegni de Giorgio Vasari, les pratiques d'attribution des connaisseurs d'art Giovan Battista Cavalcaselle et Giovanni Morelli, Mnemosyne d'Aby Warburg. Sans prendre parti pour une méthode, mais en faisant plutôt travailler différentes approches selon les exigences du cas à l'étude, je me suis servie de la sémiotique comme d'un "outil" qui se définit par "une certaine valeur d'emploi" (Hubert Damisch). Ainsi, si les questions soulevées sont envisagées d'un point de vue fonctionnellement sémiotique, les résultats auxquels on cherche à parvenir doivent rendre compte des phénomènes qui se manifestent en histoire de l'art. Une réflexion métavisuelle peut atteindre n'importe quelle étape du parcours interprétatif, que ce soit la présentation et les modes du regard porté sur les œuvres, ou bien le déploiement d'un savoir plus articulé qui peut conduire autant à la formulation d'interprétations qu'à la mise en question de la méthode adoptée.

Cruiser l'utopie décrit un mouvement, une avancée en forme de dérive entre théorie, approche philosophique, critique d'art et récit personnel. Les œuvres citées, racontées, se mêlent au récit familial ou individuel et aux considérations plus universitaires. Cette pratique de la théorie et de l'esthétique queer s'inscrit dans une interprétation nouvelle de l'espoir tel que perçu par le philosophe Ernst Bloch, articulée à la pensée radicale noire et à la recherche poétique d'auteureices comme Fred Moten et Eileen Myles.
Muñoz se penche sur la période des révoltes de Stonewall (1969) et analyse par exemple les œuvres de Frank O'Hara, Andy Warhol, Kevin Aviance, Samuel R. Delany, Fred Herko, LeRoi Jones/Amiri Baraka, Ray Johnson et Jill Johnston. À la théorie queer comme étude correspond une manière de chercher et d'écrire nouvelle, une forme d'hybridité entre la philosophie et les études culturelles. La critique est, comme par anticipation, contenue dans la pratique artistique et le quotidien contre-normatifs dont les récits, à la fois subjectifs et historiques, laissent deviner un advenir queer, lieu de transformations et de libération. Le texte, traduit par Alice Wambergue, est accompagné ici d'une préface d'Élisabeth Lebovici et d'un poème de Fred Moten.

Qu'ils aient suivi une formation universitaire dans la discipline, construit leur conception théorique de l'art en dialogue avec des économistes ou élaboré un système à part entière, nombreux sont les artistes qui, du XIXe au XXIe siècle, ont fait de l'art un laboratoire pour repenser l'économie. Valeur, travail, monnaie et capitalisme sont autant de thèmes revisités dans cette anthologie.

Une exploration des rapports qu'entretiennent les hommes avec la technique et les nouvelles technologies. Cet ouvrage est paru pour la première fois en 1995.

Essai consacré aux questions de la technique, du langage et de l'image s'appuyant sur l'étude des grottes préhistoriques. L'auteur dresse un parallèle entre le smartphone et la phase technologique de la pierre taillée.

Un état des lieux des études sur la culture visuelle présentant ses concepts fondamentaux et ses questions principales, de ses origines dans l'histoire de l'art aux perspectives de recherche ouvertes par les nouvelles technologies, la réalité virtuelle et l'intelligence artificielle. Des exemples provenant de contextes culturels et de périodes variés illustrent la dimension sociale des images.

Un essai sur la période italienne de l'artiste américain, jamais étudiée auparavant bien qu'elle ait profondément influencé l'imaginaire et l'œuvre de Paul Thek. Paul Thek (1933-1988), l'un des artistes américains les plus singuliers de la seconde moitié du XXe siècle, a toujours refusé d'appartenir aux courants artistiques dominants. De 1962 à 1976, il voyage en Italie, multipliant les longs séjours. À Rome, il découvre la sculpture antique, les réalisations de la Renaissance, les églises baroques, mais surtout l'effervescence artistique de la capitale. En Sicile, avec son ami le photographe Peter Hujar, il regarde la mort à travers les reliquaires, les processions religieuses ou encore les extraordinaires catacombes des Capucins. Sur l'île de Ponza, il expérimente une vie méditerranéenne extatique, en osmose avec la nature et notamment la mer. Autant d'attitudes qui sont à l'origine de son œuvre, des célèbres Technological Reliquaries aux expositions installations novatrices jusqu'au retour à la peinture et au dessin.