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Publiée par l'École des arts décoratifs de Paris, la revue DÉCOR propose un regard alerte et sensible sur les enjeux théoriques et pratiques du décor contemporain. DÉCOR s'attache à penser la création émergente dans les domaines du design, de la mode, du graphisme, de la vidéo ou de la sculpture, de la scénographie ou de l'animation, du textile ou de la photographie. A travers des entretiens, portfolios, textes théoriques ou de fiction, chaque numéro fait le point sur une problématique (« décor », « vulgaire », « plastique », « enfant »...) qui structure l'environnement, les représentations et les dispositifs sociaux. DÉCOR fait appel à des auteur.e.s provenant des différents champs de la théorie (philosophie, histoire de l'art, sciences humaines...) ainsi que de la création littéraire et artistique. Il.elle.s peuvent être aussi bien des personnalités reconnues et des spécialistes confirmé.e.s que des étudiant.e.s de l'École ou de jeunes talents. La revue DÉCOR se décline en outre sur deux autres supports. Elle comporte un volet digital (revuedecor.fr) et des réseaux sociaux éditorialisés comme un magazine de découverte artistique, ainsi que des « revues » vivantes sous forme d'événements et d'expositions.

Près de 150 œuvres d'art témoignent des liens entre écriture et image au cœur de cette forme d'expression artistique, les travaux présentés s'apparentant à de la bande dessinée.

Consacré au travail de dessin du designer, cet ouvrage réunit une sélection de près de 120 œuvres tirées de différentes séries réalisées entre 2005 et 2022. Elles se distinguent par la variété des techniques utilisées et par la permanence de certains motifs comme les lignes, les boucles, les rubans et les arabesques, des dessins noirs ou colorés représentant souvent des formes élémentaires.

Portrait de l'artiste argentin Nestor Perkal, qui s'installe en France en 1978 où il exerce de nombreuses activités comme designer, architecte d'intérieur, scénographe ou encore directeur artistique. Ses œuvres personnelles, son rôle dans la promotion d'artistes ainsi que ses relations avec les membres de la communauté artistique sont évoqués.

Depuis les années 1970, l'artiste s'adonne au tissage d'herbes. Elle plante et récolte des végétaux dont elle utilise toutes les parties (graines, pétales, feuilles et tiges) pour créer des compositions artistiques végétales et minérales, notamment des herbiers. Elle travaille sur la texture, le rythme et la couleur, et maîtrise la botanique et les techniques d'herborisation.

À la croisée de la critique littéraire, de l'anthropologie ainsi que des études culturelles et de genre, l'auteure explore le sujet de l'écriture d'un point de vue postcolonial et féministe. S'appuyant sur son parcours personnel, elle évoque l'histoire de sa grand-mère, conteuse au Vietnam, afin de montrer le rôle des femmes en tant que créatrices de langage.

Rétrospective de l’œuvre de Lubaina Himid, figure de proue du British black art depuis les années 1980. Durant quatre décennies, elle a exploré et élargi les possibilités de la peinture et de la narration, attirant l'attention sur des aspects occultés de l'histoire ainsi que sur des moments extraordinaires du quotidien.

Catalogue de cette exposition en deux chapitres qui présente le travail de l'artiste sur le thème du temps et de sa relation avec l'humain. En pleine restauration des monuments parisiens en prévision des jeux Olympiques, C. Gaillard révèle la manière dont la ville devient un terrain d'expression de l'entropie et comment, en retour, l'humanité lutte contre la détérioration de l'espace urbain.

Biomythographie selon le terme forgé par l'auteure, ce roman autobiographique est le seul texte en prose de cette poétesse américaine lesbienne et figure majeure de l'afroféminisme. Son approche originale des luttes contre les oppressions a participé à fonder la notion d'intersectionnalité. Dans ce texte, elle retrace son parcours et le rôle des femmes qui ont croisé sa route.

Recueil poétique écrit en 1978 dans lequel la poétesse révèle toutes les facettes de sa féminité en tant que fille, mère, amante, écrivaine et militante. Elle évoque également le désir saisi entre rage et sensualité ainsi que les discriminations subies.

Fungirl est une fille maladroite, extravertie et provocatrice. Elle exaspère tout son entourage, de sa coloc (et ex-petite amie) au nouveau copain de celle-ci, jusqu'à son patron des pompes funèbres. Fungirl est une magnifique tornade qui sème le chaos partout où elle passe, c'est un shooter d'humour et d'irrévérence, une trace de vie pure, un orgasme explosif. Fungirl, c'est aussi une comète isolée se consumant trop vite dans un ciel constellé d'ennui et de bien-pensance.

L'ouvrage reproduit 70 pages publicitaires arrachées des magazines et pour lesquelles des artistes ont posé. De Marina Abramovic à Aaron Young. Des années 40 à nos jours.

Over the course of her protean career, Meret Oppenheim produced witty, unconventional bodies of work that defy neat categorizations of medium, style and subject matter. "Nobody will give you freedom," she stated in 1975, "you have to take it." Her freewheeling, subversively humorous approach modeled a dynamic artistic practice in constant flux, yet held together by the singularity and force of her creative vision. Published in conjunction with the first ever major transatlantic Meret Oppenheim retrospective, and the first in the United States in over 25 years, this publication surveys work from the radically open Swiss artist's precocious debut in 1930s Paris, the period during which her notorious fur-lined Object in MoMA's collection was made, through her post-World War II artistic development, which included engagements with international Pop, Nouveau Re?alisme and Conceptual art, and up to her death in 1985. Essays by curators from the Kunstmuseum Bern, the Menil Collection and the Museum of Modern Art critically examine the artist's wide-ranging, wildly imaginative body of work, and her active role in shaping the narrative of her life and art, providing the context for her creative production pre- and post-World War II.